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Il rapporto tra l'alfabetismo e l'analfabetismo è costante, ma al giorno d'oggi gli analfabeti sanno leggere. Eugenio Montale

settembre 28, 2012

Aikido: unione, spirito, percorso


Morihei�Ueshiba�
L'Aikido è una arte marziale moderna (gendai budo) fondata da O’Sensei (Grande Maestro) Morihei Ueshiba (1883-1969).
Da esperto praticante di arti marzial e Maestro ha cercato continuamente nuove vie e nuovi metodi per la sua formazione personale e per lo sviluppo della pratica marziale. Grazie alla sua competenza creò, nel 1923, l’ Aikibujutsu. Il nome Aikido è successivo, è stato usato per la prima volta nel 1941.
Il nome aikido è composto da tre caratteri giapponesi: AI, 合 unione; KI, 気 spirito; DO, 道 via, strada o percorso. L'ultimo carattere è significativo in quanto implica un percorso, o filosofia che si segue nella propria vita. Questo distingue l’aikido dal jutsu (insieme di tecniche, abilità): un metodo universale, non a caso do (道) significa letteralmente "ciò che conduce" nel senso di disciplina vista come percorso, via, cammino, non in senso fisico ma piuttosto etico e morale. Lo stesso ideogramma che in cinese si legge tao e che rappresenta la concezione del tutto, del bianco e del nero, del bene e del male.
Come arte marziale giapponese composta da leve articolari e proiezione, è simile al ju-jutsu. Tuttavia, il Fondatore sentiva che il suo sistema era unico in quanto univa il corpo, la mente e lo spirito del praticante in modo tale da superare un avversario, e risolvere un conflitto senza ricorrere a uno scontro violento. Secondo principi di movimento e concetti che sono specifici della pratica dell’ aikido, il Fondatore ha usato le vecchie tradizioni per sviluppare un'arte, per formare le persone e renderle parte dinamica della società moderna.
Il Giappone ha una lunga tradizione di arti marziali, che storicamente venivano trasmesse solo a pochi eletti. 

Dopo il 1945 la devastazione e la sofferenza della guerra ha portato il Fondatore a riflettere sullo scopo delle arti   marziali e l'aikido è  stato aperto al pubblico. Ha   fortemente sentito che "L’aikido non è una  tecnica di combattimento  per sconfiggere i nemici. E'  il modo  per  riconciliare  il mondo e rendere gli esseri umani una sola famiglia".

Oggi l'aikido è praticato da circa 1,5 milioni di persone in tutto il mondo.
Il Fondatore considerava il takemusu aiki la più alta forma di aikido. Takemusu contiene due caratteri giapponesi: take (che si legge anche bu) = marziale e musu = nascere. Questi due caratteri uniti si riferiscono al movimento marziale spontaneo, senza pensiero attivo.
Egli sosteneva che la propria formazione ha attraversato quattro grandi periodi di sviluppo:
Tecnica di base kihon, Tecnica Flessibile yawa rakai, Tecnica Fluente ki no nagare, ed infine, takemusu aiki.
Egli considerava che questa forma finale di aikido potesse essere raggiunta da chiunque, attraverso la pratica.
Aikikai 
ll takemusu aikido è stato tramandato puro e incontaminato fino a noi da Morihiro Saito Sensei, 9° dan Aikikai Shihan. Questi è stato l'unico allievo rimasto accanto al Fondatore dell'aikido per ben 23 anni, ha sempre voluto preservare intatto l'insegnamento dello stesso, in ciò distinguendosi da tutti gli altri maestri di Aikido. Egli da' uguale importanza al taijutsu (tecniche a mani nude) e al buki waza (tecniche con le armi), che comprende lo studio del ken (spada) e del jo (bastone). O’Sensei diceva infatti che taijutsu, jo e ken sono la stessa cosa e che tutti e tre formano l'aikido. Un deshi (allievo) deve conoscere taijutsu, jo e ken in eguale misura secondo i principi del Ken Tai Jo no Riai. Morihiro Saito Sensei (31 marzo 1928 – 13 marzo 2002) è, quindi, il continuatore dell'Aikido di Morihei Ueshiba.
Articolo a cura di Carlo Cocorullo.
Insegnante di Aikido dell'Associazione Sportiva Dilettantistica - Takemusu Aikido - Roma Eur
www.cultura-giapponese.it

Naked, sexy, gay. The Afterlife of George Platt Lynes

 
A FEW YEARS AGO I came across one of the last photographs taken by George Platt Lynes. It was of a French soldier on a street in Paris from October, 1955. I went searching for this photograph recently among the published monographs of his work, but couldn’t find it. The image has been clear in my memory for some time: I remember it as focused on the soldier’s handsome face. Relaxed, he leans against a stone wall. It is remarkably unlike most of Lynes’ photographs from the last twenty years of his life.
In the 1930’s and 40’s, George Platt Lynes was the best-known fashion and portrait photographer in the U.S. He was also producing an abundance of male nudes that he circulated among friends and occasionally published in the Swiss homosexual magazine Der Kreis under the pseudonyms Roberto Rolf and Robert Orville. Over time, the male nudes became his most valuable artistic endeavor. The photographs we have come to associate with Lynes are often his highly staged studio images, which he crafted with exacting control over the smallest detail. These images display his inventive use of diffused lighting that seems to come from everywhere and yet from nowhere. Idealized and perfected, bodies and faces are wrapped in light and shadows, their contours defined with precision by the spaces around them. What struck me about the photograph of the soldier was that it had an intimacy more akin to a photo album than to a studio image.
As the shutter clicked on his beloved Rolleiflex that October afternoon, Lynes knew he was dying. He had been diagnosed with lung cancer in May, 1955, just a few weeks after his 48th birthday. The rest of the year was in many respects a free fall to his death. He had gone through tiring radium treatments during the early summer. “I’m taking 20-odd kinds of pills,” he wrote to his friend Samuel Steward that summer while resting at his family’s home in Egremont, Massachusetts. “There are terrible pains in my chest, as if an elephant were sitting on me.” With his debts mounting, he spent those last few months destroying negatives of his fashion and portrait work. But his male nudes were saved from this fate. What he could barter away to cover outstanding debt, he did. He continued to sell works to his friend Alfred Kinsey, who purchased nearly 600 prints and negatives. In September, he traveled to Paris, the place that had enchanted him three decades earlier when, barely eighteen years old, he’d first encountered the expatriate community there, befriending Gertrude Stein for a friendship that would last for some years. Lynes referred to this final trip as his “sentimental journey.” His hair, prematurely gray for most of his adult life, was dyed black for the trip. His voice was raspy. On his return to New York in November he entered the hospital again. He smoked in his room, not caring about the nurses’ complaints. He would be dead by December.
The funeral, held at St. George’s Church in Stuyvesant Square, New York, was crowded with friends and lovers—many of whom he had photographed. He was buried in the family plot in Woodlawn cemetery near his father, whose own early death in 1932 had forced Lynes to turn his interest in photography into a serious livelihood. The New York Times published a three-sentence obituary, which described him as a “professional photographer whose work has appeared in Vogue, Life and Harper’s Bazaar.” The New York Herald Tribune offered a slightly longer comment and included a photograph of Lynes. Unfortunately the editors used a photo of Joseph B. Platt, a Hollywood set designer who wouldn’t be dead for another thirteen years.
This particular case of mistaken identity symbolizes a continuing feature of his legacy. In reading through the known archive of his life and work, we confront an artist whose photography shaped him as much as he shaped it. At some point I started to wonder, when did we begin to imagine George Platt Lynes?
OVER THE LAST FIFTY YEARS, Lynes has moved from obscure fashion photographer to celebrated pioneer of homoerotic photography. Who would have imagined at the time of his death that Lynes would be resurrected to such a status? Perhaps the one person who did was Lynes himself. His final acts of editing his legacy—the destruction of most of his commercial prints and negatives—speaks to his concern about how we, generations later, would come to regard his work.
An extensive show of his celebrity portraits was mounted by the Art Institute of Chicago in 1960 by his longtime friend Lincoln Kirstein. “His portraits are his greatest work,” Kirstein wrote in the exhibition catalogue. Through his social circle in New York, Paris, and in the late-1940’s Hollywood, Lynes photographed most of the celebrity figures from the world of film, literature, and the arts, everyone from Lilian Gish to Edward Hopper, Burt Lancaster, Colette, Igor Stravinsky, and Gertrude Stein. But by the late 1960’s and 70’s, there was little interest in Lynes’ work from either galleries or collectors. Occasionally his photographs found their way into group shows, notably a few exhibits on the male nude in the mid-70’s. In 1973, Kirstein published The New York City Ballet: Photographs by Martha Swope and George Platt Lynes, which showcased his innovative way of capturing dancers while in movement. It wasn’t until 1981, however, with Jack Woody’s publication of George Platt Lynes: Photographs 1931—1955, that Lynes’ resuscitation truly began. Through the 80’s, interest in his work was part of a larger reclaiming of a gay and lesbian history. His male nudes in particular offered a historical context and an influential vision for young gay artists such as Herb Ritts, Bruce Weber, and Robert Mapplethorpe.
When New York’s Grey Art Gallery mounted “George Platt Lynes: Photographs from the Kinsey Institute” in 1992, his portraits and male nudes found a new audience in a new era. It was, of course, just two years since conservative senators and activists had vilified Andras Serrano and Robert Mapplethorpe and other recipients of federal funds for work that they deemed “deviant” and “pornographic.” While the Grey exhibit displayed a range of Lynes’ work, the thrust of the exhibit was his male nudes. Critics described it as fabulous, campy, and pornographic. A few years later, David Leddick, who has done the most to promote Lynes’ work, published a substantial monograph of his work with the German publisher Taschen. Leddick’s Naked Men: Pioneering Male Nudes (1997) situates Lynes within a constellation of male images from the 1930’s to the 50’s. Lynes’ photographs have also been included in larger studies such as Allen Ellenzweig’s The Homoerotic Photograph (1992) and, most recently, Jonathan Weinberg’s Male Desire: The Homoerotic in American Art (2004).
Lynes was part of a close group of artistic friends that included Paul Cadmus, Jared French, Bernard Perlin, Pavel Tchelitchev, Glenway Wescott, and Monroe Wheeler. With writer Wescott and Museum of Modern Art curator Wheeler, Lynes formed an intimate relationship that lasted nearly fifteen years until the early 1940’s. Their lives together have been documented in the published journals of Wescott, Continual Lessons (1990), and in Jerry Roscoe’s biography, Glenway Wescott Personally (2002). Anatole Pohorilenko’s When We Were Three (1998) takes us along on their expatriate travels between the world wars, offering a rich album of their social and personal lives. The biographical sketch that accompanied a recent (2004) exhibition of Lynes’ work at the John Stevenson Gallery in New York City, “George Platt Lynes: Known and Unknown,” recounts Lynes’ artistic development and highlights his innovations in photographic techniques. In Intimate Companions: A Triography of George Platt Lynes, Paul Cadmus, Lincoln Kirstein and their Circle (2000), David Leddick creatively imagines the professional and social milieu of Lynes and his circle.
These publications have revived Lynes’ work, shaping a reputation that’s increasingly defined by his homoerotic male nude images. Lynes would most likely be pleased. Still, we have yet to make sense of the legacy he imagined for himself. His destruction of much of his commercial work—which is what he was known for during his lifetime—and his preservation of the male nudes suggests that he was trying to preserve a particular way of looking at his favorite subject. “The act of one man looking at another man’s body is fraught,” writes Weinberg, “even when it is sanctioned by the museum or the tradition of academic training.” Indeed, it is this gaze, this way of looking, that is uniquely situated within the historical moment of the 1930’s and 40’s. As Ellenzweig has noted, the birth of a discernable homosexual type in the late 19th century parallels the popularity and accessibility of photography. (Kodak introduced its portable cameras with rolled film cartridges in 1888.)
While the history of photography is well documented, we also need to consider the history of looking—and in particular a history of the homoerotic gaze. This is what intrigues and seduces me about Lynes’ photographs. In his male nudes, we get more than a staged, homoerotic image. His photographs declare that this gaze, this intensity of looking at another man’s body, however distanced or lurid or stylized it may be, is something worthy of recording and preserving.
IN 1981, writing for The Advocate, Samuel Steward recounted his first meeting with Lynes some thirty years earlier. He had known of Lynes’ photography through his friend Gertrude Stein. Steward admired Lynes’ photographs of Stein, though he never met the photographer until just four years before Lynes’ death. “I was hardly prepared for the trim, white-haired figure with black eyebrows who opened the door,” he remembers. “The early photographs of George Lynes, which were all that I had seen, showed him to be in his twenties, not his forties. Oddly, I kept looking over his shoulder, up the single flight of darkened stairs, as if I were searching for the real George Lynes—but the confusion was only momentary, and I finally realized this was he.”
Finding the real George Lynes proved exceedingly difficult. Steward’s recollection reveals how the aura of Lynes’ photographs distorted his initial encounter with the man himself. Wrote fashion photographer Bruce Weber: “I always believed that Lynes photographed a lot of men who knew how to fix a car, but the difference was that he made them look as if they had gone to Yale.” Lynes’ experiments with lighting and composition gave his images an idealized quality. For him, photography was far from a simple act of documentation. Rather, it was about turning the mundane into the beautiful, of making the beautiful ideal. It was privileging a way of looking, immortalizing the act as much as the subject. Eventually, this experience blurred the line between photographer and camera. “I’m the damned soul of my (damned) camera,” he wrote to Bernard Perlin in 1954, adding, “and God, how it hates me sometimes. And I think I’d be a poor thing without it.”
One of his earliest self-portraits is a collage of photographs that he created for his lover Monroe Wheeler. Using photographs from his recent travels to France, Lynes cut them into fragments of arms, legs, torsos, heads. These fragments surround a smoky portrait of Lynes. Influenced by European surrealist æsthetics (though he disliked being called a surrealist), the collage alludes to his youthful interest in self-representation. The result is a work that’s both erotic and innocent, playful and seductive, butch and effete, open and mysterious. Later in his career, he continued to explore the ways in which the camera can transform the naked bodies of his subjects. Seldom overtly sexual, his photographs of naked men have little to do with nakedness itself. Indeed, Lynes’ camera transforms the male body from something to be photographed and desired to something more distant, something to be looked at and pondered. His images arrest me precisely because they’re concerned with preserving the act of looking rather than the act of touching.
In the late 1940’s and 50’s, Alfred Kinsey collected Lynes’ photographs as part of his obsessive research on human sexuality. He valued them for how they documented the homosexual æsthetic. The history of using photographs to record and study sexual deviants started before Kinsey. Indeed, as Lynes was busily photographing male nudes during the 30’s, Dr. George Henry was gathering case studies from homosexual subjects in New York City. Published in 1941, Sex Variants was an extensive and sympathetic study of homosexuals. Part of Henry’s research included detailed anatomical measurements, x-rays, and photographs. The camera proved a useful tool for reading the body’s supposed signs of sexual deviance.
Theses days, we often read Lynes’ male nudes as a sexual fantasy of the photographer. His re-emergence in the 80’s was in part due to the glimpse his images offered into an erotic, homosexual past. Jack Woody, who also was promoting Robert Mapple-thorpe’s work in the early 80’s and may have introduced Mapplethorpe to Lynes’ photographs, suggested that the male nudes reflected the limits of gay life in the 1940’s and 50’s. His images, Woody writes, hold “elements of individual isolation, sexual conflict, and erotic tensions.” For many commentators, the nudes have been described as a fantastical foray into an idealized world that Lynes crafted in response to the harsh reality of gay life at the time.
In another vein, his nudes have become symbols of the gay past. Commenting on the Grey Art Gallery exhibit in 1993, New York Times critic Charles Hagen noted that a number of his nudes suggest “stereotypes of gay pornography,” and dismissed them as not quite inventive, concluding that the “show is more interesting for what it suggests about Lynes’ life as a gay artist in the 1940’s and 1950’s than it is as art.” Indeed, when the curators at the University Art Museum in Berkeley, California, mounted “In a Different Light: Visual Culture, Sexual Identity and Queer Practices” in the winter of 1996, not one photograph of Lynes was included. Apparently, Lynes’ nudes were too idealized, too “gay,” for a show that was more engaged with exploring queer visual culture beyond “identity politics.” When, I wondered, did Lynes become so gay?
In a letter from 1946, when Lynes was living in Los Angeles and surrounded by the aura of Hollywood, he wrote: “there’s a picture of me in a recent Life, along with Lana Turner etc., at Cobina Wright’s party. ... But I’m so lost in the murky background that I doubt if even you could find me.” Too often in trying to capture George Platt Lynes, we miss him completely. Like staring up the darkened stairs, we search for the person in the photograph, when it was the act of looking at the photograph that mattered all along. 
By James Polchin - http://www.glreview.com
teaches writing at New York University. He is completing a book on the life and afterlife of George Platt Lynes.
 

settembre 27, 2012

E la violenza diventa racconto

Nel libro di Cristina Obber "Non lo faccio più", si raccolgono le testimonianze di giovani donne stuprate, di uomini che per quelle aggressioni ora sono in carcere e di chi tutti i giorni lavora per aiutare vittime e carnefici. E ora parte un progetto per le scuole. Obiettivo? Il dialogo tra generi

In Italia i casi di violenza di genere sono in aumento: sono sempre più frequenti gli episodi di violenza sessuale tra ragazzi che hanno meno di 25 anni, mentre dall'inizio del 2012 ci sono stati 73 casi di femminicidio. E' un viaggio in questo universo quello compiuto da Cristina Obber, scrittrice e corrispondente del Giornale di Vicenza, che nel suo ultimo libro "Non lo faccio più" - in uscita il 10 settembre per Edizioni Unicopli – ha raccolto le testimonianze di chi ha subito le violenze e degli uomini che le hanno inflitte, le impressioni di chi accompagna vittime e carnefici nel percorso di recupero, come criminologi, assistenti sociali, psicanalisti, educatori, ma anche le riflessioni di alcuni studenti sulla difficoltà di accettare la fine di un amore e di gestire la rabbia e il senso di abbandono.

Nel libro c'è la storia di Veronica, ragazza di 21 anni violentata dagli "amici" dell'università; c'è la voce del papà di Carmela, violentata a 12 anni. C'è il racconto di Marco, uomo di 35 anni che rimorchiava le ragazzine all'uscita da scuola. E ci sono gli incontri dell'autrice con i detenuti condannati per reati sessuali. Nel testo emerge inoltre il contrasto tra l'impegno e la dedizione di alcune persone che danno tutto per aiutare chi è coinvolto nelle violenze, da una parte, e le carenze organizzative dall'altra. «Il sistema-giustizia va rivoltato come un calzino – dice Obber – basti pensare che il più delle volte gli operatori di polizia non hanno nessuna formazione specifica e non sono perciò in grado di rapportarsi a una ragazzina che deve raccontare di essere stata violentata. E, per un detenuto condannato per reati sessuali, non può bastare un colloquio al mese con lo psicologo» .

Ma qual è l'intento di un lavoro come 'Non lo faccio più'? «Per anni della violenza di genere le donne hanno parlato tra loro, mentre i maschi non ne parlavano affatto. Parlarne insieme deve diventare l'obiettivo, un nuovo patto tra i generi, un impegno verso se stessi, una promessa» spiega la scrittrice. E questo tipo di impegno sta alla base di un progetto, nato sulla scia dell'esperienza del libro, rivolto ai ragazzi delle scuole superiori e dell'università, portato avanti da Cristina Obber insieme a diverse associazioni che si occupano di violenza di genere, come Donne in rete e Maschile Plurale. «I ragazzi parleranno di violenza sulle donne, in particolare di violenza sessuale e femminicidio, insieme a psicologi e assistenti sociali – spiega Obber – Prima ascolteranno gli esperti e poi presenteranno le proprie riflessioni ed esperienze. Questa nuova avventura partirà l'11 ottobre da Milano, l'intenzione è di organizzare iniziative del genere nelle scuole e nelle università di tutta Italia»
 di Ermanno Forte. L'Espresso

Gratis e mondiale ecco la nuova università

Le università, istituzioni da sempre delegate alla conservazione e alla trasmissione di un sapere chiuso, cedono alla cultura “wiki” e alla condivisione della conoscenza, e divulgano gratuitamente in rete i loro insegnamenti. Il merito è di Coursera, la mega università on line che ha esordito la scorsa primavera. L’idea di Daphne Koller e Andrew Ng, entrambi docenti alla Stanford University, è semplice: mettere online i corsi tenuti in aula e far partecipare gli studenti. “Sono esattamente come i corsi ‘reali’ – spiega Koller –. Iniziano in una data precisa, seguono un calendario di lezioni prefissato, agli studenti vengono assegnati compiti e ci sono valutazioni durante il corso e alla fine, quando i ragazzi ricevono un certificato che possono presentare al futuro datore di lavoro oppure portarlo al college in cui sono iscritti per ottenere ulteriori crediti formativi”.    Con un milione e mezzo di studenti, Coursera veicola nell'etere gratuitamente i corsi di decine di importanti università di tutto il mondo (i cui costi di iscrizione si aggirano intorno ai 37 mila dollari all’anno) e quella che era una scommessa di due sognatori è diventata una realtà a cui ormai tutti i maggiori istituti americani e non solo fanno a gara per partecipare.    
DAPHNE KOLLER, nel suo intervento alle TedGlobal 2012 ( www.ted.com/talks/da phne_koller_what_we_re_lear ning_from_online_education.ht ml  ) lo ha spiegato: l’obiettivo è dare una possibilità anche a chi non ne avrebbe, mettere tutti in grado di studiare, migliorarsi, approfondire, sperare in una vita migliore, rendere l’educazione partecipata, condivisa, attraverso quel potente strumento che è la rete.    Con il costo dell’istruzione che in America (e in Italia non si sta certo meglio) è aumentato del 559% dal 1985, essersi posta questo problema ha avuto un certo impatto. Uno dei primi corsi che Daphne Koller ed Andrew Ng hanno messo on line è stato The machine learning (Apprendimento automatico) di Andrew Ng, che insegna alla Stanford University e che ogni volta totalizza circa 400 iscritti: su Coursera gli iscritti sono stati 100 mila. “Avrebbe dovuto insegnare per 250 anni per raggiungere lo stesso risultato” dice Koller. Per materie legate a computer e scienza non è difficile immaginare una partecipazione elevata: ma quando al corso di A history of the world since 1300 (storia del mondo dal 1300) di Jeremy Aldelman, professore alla Stanford, gli iscritti superano i 75 mila, bè, allora qualcosa di grosso è davvero accaduto. Gli iscritti di Adelman si trovano in ogni parte del globo – dalla Norvegia alla Thailandia – e come per ogni corso hanno la possibilità di riunirsi nelle varie community del globo e di incontrarsi attraverso i Meetup: a Roma per il corso di Adelman gli studenti sono 12 e si stanno già organizzando.    
Per ogni corso vengono indicati dei libri di base: sarebbe interessante vedere, adesso, quali sono diventate le tirature di testi come: Worlds Together, Worlds Apart. E poi ci sono i forum e, proprio perché gli studenti si trovano in qualunque parte del globo, il tempo medio di risposta a una domanda è di soli 22 minuti: anche se sono le quattro di notte, da qualche parte, magari in Papua Nuova Guinea, c’è qualcuno che si sta ponendo le stesse domande. Ad agosto gli iscritti alle varie offerte di Coursera erano quasi 600 mila: oggi un milione e mezzo e aumentano, letteralmente, ogni minuto. 
I corsi sono 195 ( www.coursera.org/cour ses  ),  le università 33  ( www.cour sera.org/universities  ),  dalla Princeton University, alla Stanford, dalla Johns Hopkins,  alla Columbia University, dalla University of London alla Hebrew University of Jerusalem. 
Ha avuto  ragione   Tom Friedman quando sul New York Times, a proposito di Coursera,  ha scritto “Grandi cambiamenti  si verificano  quando ciò  che è improvvisamente  possibile  incontra  ciò  che è disperatamente necessario”. 
 di Eugenia Romanelli, IFQ
Andrew Ng and Daphne Koller, ideatori di Coursera (FOTO LAPRESSE)

Un design che arreda il Paese delle meraviglie

 
Realismo magico: non si tratta di un filtro per le emozioni o di una traduzione onirica in termini estetici. Il quarantennale paesaggio creativo - assolutamente tangibile ed eclettico - elaborato da Marika Carniti Bollea attraverso varie discipline, tra cui il design di oggetti e quello di interni, le scenografie teatrali, i costumi (oltre a bozzetti, sculture, disegni e progetti) è una sintesi di come sia possibile ispirarsi a grandi movimenti artistici (qui contano la Metafisica e il Surrealismo) per formulare uno stile proprio, totalmente autentico. Artista poliedrica, curiosa, passionale, autodidatta, con alle spalle nomadismi variegati e collaborazioni prestigiose, Marika Carniti Bollea vanta un’attitudine scrupolosa nei confronti di ogni singolo dettaglio: dai tavoli alle decorazioni, dai divani alle sagome scultoree, sino alle librerie. Citazioni alte, indirette, che convergono sovrapponendosi in una visione audace, come lei stessa suggerisce “frantumata ed evocata, ma mai copiata”. Visitando la bella mostra al Vittoriano, ci si perde in un ricercato labirinto di intuizioni che, come in un fitto diario visivo puntella le molteplici esperienze, dalle celebri lampade a conchiglia sino alle immagini degli interni di eleganti abitazioni. Un segreto della sua originalità consiste nell’aver sempre sostenuto il design artigianale, ignorando totalmente, anche in decenni di grande diffusione, quello industriale. Se la casa “è un’idea del mondo”, il suo (denso di luce e con una predilezione per il legno chiaro) è uno spazio che da ‘teatrale’ confluisce, con slancio e abilità tecnica, in una dimensione fatalmente ‘magica’.    
 di Claudia Colasanti, IFQ

Realismo magico in scena e nell’abitare di Marika Carniti Bollea.     
Complesso del Vittoriano, Roma. Orario: lun-dom 9,30-19,30.     
Ingresso libero. Fino al 7 ottobre 2012
 

Prigione da Oscar

 
Cesare deve morire agli Oscar. Il film di Paolo e Vittorio Taviani è il candidato italiano sulla lunga e tortuosa strada degli 85esimi Academy Awards, categoria miglior film straniero. L’ha spuntata su altri nove titoli in lizza, a insindacabile giudizio della commissione istituita presso l’Anica e composta da Angelo Barbagallo, Nicola Borrelli, Francesco Bruni, Martha Capello, Lionello Cerri (al posto di Nicola Giuliano, auto dimissionato per supposto conflitto d’interessi), Valerio De Paolis, Piera Detassis, Fulvio Lucisano e Paolo Mereghetti. “Il gioco è appena cominciato”, hanno detto i Taviani prendendo l’aereo per il festival di New York, ma i giochi della candidatura come sono andati? “Tragicamente noiosi, almeno giornalisticamente”, dicono gli insider. Prima votazione: ognuno può esprimere tre preferenze. Cesare deve morire è l’unico a fare l’en plein, con 9 voti.     
GLI ALTRI nominati sono Reality di Matteo Garrone, Bella addormentata di Marco Bellocchio, Diaz di Daniele Vicari e Gli equilibristi di Ivano De Matteo. Ovvero, altri cinque titoli non beccano una preferenza: Il cuore grande delle ragazze di Pupi Avati, È stato il figlio di Daniele Ciprì, Là-bas Educazione criminale di Guido Lombardi e Magnifica presenza di Ferzan Ozpetek. Il 50%, dunque, nemmeno si alza dai blocchi, ma la gara continua.    Seconda votazione, si può esprimere una sola preferenza, e i giochi si fanno seri. Gli equilibristi pare la vittima sacrificale, Diaz l’outsider, lo scontro dovrebbe essere a tre: Bellocchio, non premiato a Vene-zia; Garrone, Grand Prix a Cannes; i Taviani, Orso d’Oro a Berlino. Ebbene, par di capire che i premi (internazionali) contano: Bellocchio è già fuori al secondo passaggio. Un’altra Laguna amara, ma senza Vene-zia. E stavolta le polemiche rimangono in gola: “Cesare deve morire è un bellissimo film che ripropone all'attenzione internazionale due eterni giovani protagonisti del nostro cinema. Ha un tema universale ma al tempo stesso nevralgico in un Paese come il nostro, segnato da una incivile situazione carceraria”, dice Riccardo Tozzi, presidente dell’Anica e produttore con Cattleya di Bella addormentata. Dunque? Rimangono sempre in testa i Taviani con 5 voti, mentre Reality ne prende 3. Già, i conti non tornano: c’è un voto nullo. Forse, pesano stanchezza, lunghe convergenze o diottrie, chissà, ma il sospetto è che qualcuno, insensibile al regolamento letto da un notaio, voti come al primo turno, indicando ancora tre preferenze. Morale: scheda nulla. Il secondo round finisce 5 a 3 per i Taviani. Tra uno sbadiglio e l’altro – il tutto dura solo un’ora e 10, ma pare la Corazzata Potemkin – ci si trascina straccamente alla terza votazione: passa chi prende i due terzi dei voti. Ma non c’è bisogno né del bilancino né del pallottoliere: Cesare deve morire ne prende 8, Reality il voto di consolazione. “Dipende dalla sensibilità di chi deve giudicare”, aveva vaticinato appena tre giorni fa Garrone, già fresco giurato messo sulla graticola – a Venezia. Ebbene, la sensibilità dei 9 dell’Anica ha premiato gli arzilli 80enni: “Shakespeare, il carcere, Cesare deve morire ha più chance”, recitava il mantra ai civico 286 di viale Regina Margherita. “Buon film, ma senza le stesse chance”, il controcanto su Garrone.     
PER UN GIOCHINO che si chiude, un altro gioco è appena cominciato. E sarà dura, perché non sappiamo più giocare con le statuette: facciamo le belle statuine a Hollywood, e neanche così belle, da tempo immemore. L'ultimo nostro film a centrare la nomination al Best Foreign Language Film è stato La bestia nel cuore di Cristina Comencini nel 2006, mentre la statuetta ci manca addirittura da La vita è bella di Benigni. 1999, una vita fa. E pure stavolta sarà dura, durissima. La concorrenza è tosta e ugualmente premiata: Amour di Michael Haneke, Palma d’oro a Cannes, per l’Austria; Pietà di Kim Ki-duk, Leone d'Oro a Venezia, per la Corea del Sud; Oltre le colline di Cristian Mungiu, premi per la sceneggiatura e le due attrici principali a Cannes, per la Romania. Occhio pure ai favori che la Zionist Hollywood (infelice definizione di Sacha Baron Cohen) potrebbe riservare al 4 matrimoni e all’israeliano Fill the Void, che al Lido s’è preso la Coppa Volpi con la protagonista Hadas Yaron. Occhio, infine, anche al pathos furbetto del campione d’incassi francese Quasi amici: dopo l’Italia, la prossima vittima potrebbe essere l’Academy. Il 10 gennaio saranno rese note le nomination e vedremo se Cesare deve morire. 
di Federico Pontiggia, IFQ 
 
Un’immagine dal film “Cesare deve morire” dei fratelli Taviani.

settembre 04, 2012

La cultura al rogo


Illustre ministro, illustre presidente, la Biblioteca dell'Istituto Italiano per gli Studi Filosofici, messa insieme da Gerardo Marotta in mezzo secolo di pazienti ricerche presso fondi librari e antiquari in tutta Europa, costituisce il nucleo fondamentale dell'Istituto fondato nel 1975 a Roma, nella sede dell’Accademia dei Lincei, da Enrico Cerulli, Elena Croce, Pietro Piovani, Giovanni Pugliese Carratelli e Gerardo Marotta, che ne è anche il presidente. La Sovrintendenza ai beni librari della Regione Campania ha riconosciuto nel 2008 il valore di questa raccolta, che oggi conta circa 300mila opere, dichiarando che essa “presenta i segni di uno sforzo ragionato di gestione e sviluppo, frutto non di casuale sedimentazione, ma delle attività di studio, ricerca e formazione promosse dall'Istituto di appartenenza”.

La delibera, attestando “il grande valore bibliografico e culturale” della biblioteca, decreta “la necessità di salvaguardarne l'inscindibile legame con l'Istituto di emanazione” e “l'opportunità e l'utilità sociale di predisporne le migliori condizioni di fruizione pubblica”. Fu in questo spirito che la Regione, già nel 2001 con delibera n. 6039, individuò come sede della biblioteca i locali dell'ex-Coni in piazza Santa Maria degli Angeli n. 1, a pochi passi da Palazzo Serra di Cassano, sede dell'Istituto, al fine di garantire la necessaria vicinanza tra la biblioteca e il luogo in cui quotidianamente si svolge un'intensa attività di seminari, così da assicurare la fruibilità del patrimonio librario al vasto pubblico di studiosi e ricercatori. Venne dunque formulato un progetto che, tenendo conto dei locali disponibili e dello spazio occupato dai volumi, consentisse, attraverso un sistema di scaffalature compatte, una sistemazione adeguata, congrua e razionale della raccolta. Tuttavia, inspiegabilmente, l’attuale Giunta regionale emana nel 2011 un nuovo atto che opera una radicale inversione di rotta rispetto al complesso processo iniziato dieci anni prima: con la delibera n. 283 si inseriscono due elementi che minacciano di stravolgere letteralmente il progetto originario per cui erano stati stanziati anche specifici fondi europei. Viene difatti pro-spettata per i locali individuati l'utilizzazione “come fondo iniziale dei volumi che obbligatoriamente vengono trasmessi in copia alla Regione Campania da editori e aziende tipografiche allorquando pubblicati” e l'attivazione di una “Biblioteca pubblica ‘a scaffale aperto’”. Ciò significherebbe non solo sfregiare l'armonica razionalità interna della raccolta dell’Istituto, che la rende specchio di una dimensione culturale internazionale, con l'inserimento di un fondo avente come unico criterio quello dell'appartenenza geografica regionale, ma significherebbe soprattutto impedire materialmente l'allocazione della biblioteca dell'Istituto, la cui dimensione è tale da occupare per intero lo spazio dei locali e solamente qualora sia rigorosamente seguito il progetto delle scaffalature compatte.

L'estenuante lentezza e l'infelice esito di questo processo testimoniano la trascuratezza con cui è stato considerato negli ultimi anni l'Istituto Italiano per gli Studi Filosofici, che secondo l'Unesco non ha termini di paragone nel mondo e che oggi, privato dei fondi necessari al suo pieno funzionamento, rischia di dover chiudere. È inaccettabile assistere a questo avvilimento dell'Istituto e alla sepoltura della sua biblioteca in un triste deposito , un ex capannone industriale di Casoria, per opera della miopia e dell'inerzia ostinata di alcuni dirigenti amministrativi. Chiediamo, pertanto, che la Regione revochi la delibera del 21 giugno 2011 e ripercorra con urgenza la strada tracciata dalle de-libere dell’amministrazione Bassolino e della Sovrintendenza bibliografica regionale, aprendo finalmente al pubblico un grande patrimonio librario e che, su sollecitazione del ministero dei Beni culturali, il governo presenti un disegno di legge al Parlamento diretto a garantire un finanziamento stabile per l'Istituto che consenta di ripianare gli oneri finanziari derivati dal ritardo, quando non dal venir meno per alcuni anni, degli stessi contributi, e che permetta il pieno svolgimento delle sue attività di ricerca e della sua funzione civile.

Remo Bodei, Alberto Burgio, Gaetano Calabrò, Luciano Canfora, Giulietto Chiesa, Gianni Ferrara, Paolo Maddalena, Aldo Masullo, Ugo Mattei, Aldo A. Mola, Tomaso Montanari, Franco Roberti, Stefano Rodotà, Roberto Saviano, Salvatore Settis, Gianni Vattimo, Gustavo Zagrebelsky

Luca Del Baldo


yukio mishima like samurai

MISHIMA,oil on wood

Data: 01/04/2008

http://www.lucadelbaldo.com